闪光少女

不是最好，但却是很惊喜，今夏暑期一堆以燃为主题的电影，这部观感最佳，主要是开心。故事简单角色中二，但单纯的可爱，摇摆少女+扑水少年，民乐+二次元，转化为趣缘的坚持+次元壁的破除，虽然对元素的展示只是表象且极端，但却突出了不同人群的特殊性，青春洋溢少男少女，很有朝气

上来先放一句大话，个人观点，这部《闪光少女》是今夏暑期迄今为止让我看得最开心一部作品。不是最好，但最有趣。

PS，本片的所有海报，真尼玛是极品的难看，不要因为烂物料而错过一部有趣的电影。

如果你以为这是一部关于音乐与梦想的励志片，不免有些片面；如果你以为这是一部青春期躁动与友情时光的电影，实则太过平庸了。总体而言，这部《闪光少女》很难给予定位，电影比单纯的青春片要高级很多，却又不如传统竞技类电影那般专注于某个行业领域，大致介于二者之间。

如果非要给《闪光少女》一个定位的话，个人觉得，这是一部异想天开妙趣横生的青春励志喜剧片。

其实不要在意这些细节，电影提供的娱乐效果，让观众能够自然而然的进入电影所营造的独特视角中，来自鲍鲸鲸的编剧，新导演王冉，再加上清一色的新演员，并不是说有多么好，就是简单有趣，让人开心。

冷门视角的共性励志

《闪光少女》的故事很简单，从体量上让人想起了日系的青春励志片，比如行业剧之王矢口史靖的那部《摇摆少女》，后者描述的是一帮一瓶子不满半瓶子晃荡的少女们组成爵士乐团的故事。本片与《摇摆少女》有点类似，同样是组乐队的故事，只不过本片是专业民乐团的少女们，并且在其中融入了民乐与西洋乐的交锋。

故事简单，但内涵其实有点噱头。正如之前说的，本片并非《摔跤吧！爸爸》专业行业类竞技励志，对民乐的呈现点到为止，就像《摇摆少女》那样，为什么矢口史靖作为“行业剧之王”，他的作品如今受欢迎呢？

就是因为这些的作品表面上是对某一冷门行业的展示，骨子里面是大众级的故事，在通过对“趣缘”的差异化吸引观众兴趣，在故事载体下，突出“物尽其用”的励志效果，从而达到共性的娱乐化效果以及主题精神的传达。

从《五个扑水的少年》（男子花样游泳，小众与大众青春）开始，直到《哪啊哪神去村》（伐木行业，传统边缘职业与主流时代行业的冲突）都是如此。

这部《闪光少女》也是一样，甚至更加复杂一些，表面上是民乐与西洋乐的交锋，实际上是二次元文化与三次元之间的冲突，但这两个八竿子打不着的领域是如何交织在一起呢？

文化与次元之壁

《闪光少女》的视角很独特，却也符合常理，民乐与二次元的联系，主要在于以下两点：

其一，对人群的划分，也就是“壁”的产生。

电影对民乐的展示点到为止，并未深入肌理，却通过对比的方式，将民乐与西洋乐划分为两个群体，通过对比的方式来描述二者的不同之处。然后再根据故事的发展，将小小的音乐学院的两个群体，扩大为二次元与三次元两个群体，并在其中寻找到了一个结合点——古风。

然而很多人不了解古风，认为其是单纯的中国风，区别如下：

★“中国风”讲白了就是“中国乐风”，西洋乐器 民族乐器的合成，曲子节奏更加时尚，歌词的风格更偏向于近代诗歌，更加通俗易懂。

★“古风”则是强调的是民族乐器与电子合成器的使用，不涉及任何西洋乐，古风歌词很多化用古人诗词，也更注重措辞韵脚，其词中大多有故事背景。念白和文案，是古风的特色，另外古风多流行于网络。

确切的说，古风常见于我国的二次元世界，比如B站就有很多古风达人，去年超女冠军圈9，就是一位成名于B站二次元歌姬（在舞台上还翻唱了银临&Aki阿杰的《牵丝戏》）。电影则是选取了民乐与二次元的交叉点，即“民乐+二次元=古风”。

两种事物之间存在着隔阂，必然会产生“壁”，民乐与西洋乐，二次元与三次元之间就存在着这么一个看不见的“壁”。电影中的表现更加直接，直接在音乐学院的不同乐曲习作区域，竖了一道铁栅栏，象征着“壁”。

而且这个“壁”是互为的，三次元对二次元存在“壁”，二次元对三次元同样存在“壁”，二次元很多消费者，认为其他人不懂得二次元精髓，主流群体/西洋乐对二次元/民乐存在一个偏见，因此不得不将自我世界封闭、保护起来。有的时候会成为小群体内的自嗨。你来我往，这样一来，“壁”的概念就加深了。

趣缘之动力

其二，就是小众文化的逆袭，也就是“趣缘”之故。

在我国，民乐与二次元的共性，就是他们都是如今的边缘化处境，一个是传统文化如今的边缘化，另一个干脆就是直接的亚文化。

如同电影《百鸟朝凤》那样，对传统民俗坚持中的情感，《闪光少女》中的民乐和二次元，也是弱势群体，玩民乐的被西洋乐瞧不起，喜欢二次元的更是被主流文化所摒弃。电影有着对传统民乐的坚持，也有着破除次元壁的诉求，二者完全统一在了“趣缘”的格局下。

二者的共性，就是因为兴趣所致，也是《闪光少女》后半段的主题，你为什么学习民乐，为什么喜欢二次元，将物尽其用的励志融入到兴趣之中，女主角陈惊为什么要学扬琴？就是因为父母，为什么要组建乐队，就是因为为了追求西洋乐大师哥而已。为什么要学习二次元文化，就是为了拉拢乐队成员而已。

这一点，就很像矢口史靖的作品了，比如《哪啊哪神去村》中的染谷将太，为什么要去深山老林的伐木，无非是在大城市找不到工作，为了追求封面女郎长泽雅美而已。

因此，在电影后半段就突出了趣缘的重要性。逆其道而行的女主角，最终顺流，无非是兴趣所致，陈惊母亲（闫妮）的一席话看似有些玄幻，却是意料之外的动力，也是电影核心，没有主流与亚文化之分，也没有弱势与强弱之别，完全在于兴趣，将物尽其用之说发挥的淋漓极致，甚至给了年轻人的价值观做引导。

有了“趣缘”的动力，剩下的任务就是弱势群体和边缘文化的逆袭，完成“破壁”。

青春的破壁

值得一提的是，《闪光少女》无论对于民乐，还是二次元的展示，都是比较极端化的，也就是说，只是展现这些边缘文化的冰山一角，且不求全面只求代表性。这样做的好处，就是让观众能对片中所展示的民乐和二次元产生浓厚的兴趣，缺点也是有的，就是没有代表性，这是一个遗憾。

说白了，就是极端化的展示，刻意强调了不同人群的“壁”，比如二次元玩家，现实中并不是这样，但电影却让他们现在实现中也穿上了卡哇伊的服装，极致的渲染与众不同，这就是极端化展示，是电影夸张的处理手法，虽然有失妥当，但却强化了主题。

尤其是对角色塑造方面，502宿舍的几位高手，非常极致化的个性刻画，御姐般的千指，一句话也没说过的樱仔，跟复刻出来的姐妹一般的贝贝和塔塔，简单、有趣且深刻。

无论是音乐大乱斗场面，还是最后在西洋乐队的帮助下，完成一次古风民乐的演奏场面，这就是“破壁”的过程，这两场戏是同类作品标准的燃点模式，观众受浸染，纷纷站起来随着节奏跳起来，我想，她们的魅力不仅仅在于电影主题的强化以及演奏本身的燃点，更在于青春的朝气吧。

这便是我在这部影片所强烈感受到的，青春的气息，《闪光少女》终究是一部富有朝气的青春片。

因为年轻，才会调皮捣蛋寻找刺激不断闯祸：在饮水机里煮火锅，用卷发棒烤肉，去楼下表白然后被“十动然拒”，甚至安排了一场“意外”的演出。电影这些桥段，构成了本片大量的喜剧桥段。

也是因为年轻，才会满怀激情投入新鲜事物，努力奋斗并享受其中：偷偷去教学楼练琴、专注于二次元文化，甚至音乐大乱斗。电影这些桥段，构成了本片的戏剧冲突部分。

还是因为年轻，是男女主角结尾处，在萤火虫飞舞的野外那点到为止，此时无声胜有声的情感交汇。

这些只有在年轻时才会冒失犯的错，闹的笑话，努力做的事，表达的情感，让人捧腹后禁不住感叹：青春真好啊！

这就是《闪光少女》的观感，很简单很励志也很有趣，所以看得很开心，无论是次元壁还是趣缘，年轻的孩子们，调皮热情，还有一些憨厚和纯真，看不完的那些青春洋溢的男孩女孩们…

彩蛋

1、陈奕迅

陈奕迅作为本片的最大彩蛋，可能是由于为了提升电影宣传热度，早已被片方曝光，如果一直隐藏下去，观影的时候绝对是最大的惊喜。这位演得角色，好似费玉清。

2、音乐大乱斗

有的人不太懂这段大乱斗为什么是西洋乐输了，其实个人也是音乐小白。大致听了一个大概，在发布这段内容片段之后又看了一遍大致了解：

千指首先用《广陵散》独奏气势。该曲 “纷披灿烂，戈矛纵横”，带有 愤慨不屈的浩然之气 ，实为宣战。

随后西洋乐那边的竖琴，演奏的是《德彪西第一号阿拉伯风华丽曲》，浪漫流畅，意思就是我们轻松应战，不怕你们。

西洋乐用《野蜂飞舞》起头，这是尼古拉·里姆斯基-科萨科夫的成名曲，也是被誉为世界上最快的钢琴曲之一（有兴趣的可以听听马克西姆·姆尔维察的版本，很著名）。西洋乐选择了一段非常复杂的乐曲挑战，那边民乐也迎合，用民乐演奏了《野蜂飞舞》，能够跟上西洋乐的步调。

结果是随着唢呐小哥的出现，把西洋乐带跑了。那段唢呐是《百鸟朝凤》， 用乐曲模拟百鸟和鸣之声，结果西洋乐跟不上了，因为西洋乐演奏不出这种效果和曲调，民乐胜利。

我是这么理解的，不知道对不对。

3、《权御天下》

2.5次元乐队在漫展上演奏的那段是原创Vocaloid中文曲《权御天下》，没有配词而已。值得一提的是，这片一定要出原声大碟，必收。

4、babymetal

结尾演奏，弹中阮的贝贝与弹琵琶的塔塔，换上了电吉他，个人感觉这个桥段有点致敬babymetal的味道。

PS，最后7.25更新一下，关于宣发团队下跪的事件，别逗了，1、早干么去了；2，你们跪错人了

当年《百鸟朝凤》下跪主要是因为吴天明导演的遗作，真的希望更多观众可以关注，结果电影票房雄起。第一次下跪有用，第二次有用吗？

这部电影的宣发是真的烂，烂到什么程度呢？且不说屎一般的物料，包括海报+预告都是其烂无比，主要还是该片的营销方向。作为一部与二次元有关的作品，这部电影竟然没有针对二次元做任何东西，电影定位和受众完全不对，哪怕去B站发布点东西，哪怕发动一些二次元的爱好者也行啊，完全没有。很多观众根本不知道这片与二次元有关，这就是极大的问题。

再者说，这部电影的音乐监制+联合出票人是著名音乐人梁翘柏，编剧是《失恋33天》的鲍鲸鲸，徐佳莹、逃跑计划、杨宗纬、周笔畅、中岛美嘉献唱的一堆推广曲，这些信息有几位观众能知道？或许这些歌、这些主创信息都有推广，但电影从根本上定位和受众就一团糟，导致很多这片真正的受众根本不了解电影的真实情况。

这部电影的宣传+物料制作团队，真是史诗级糟糕，完全是反面教材。下跪？你们应该跪片方而不是跪观众。

最庆幸的是昨天被安利后看了片段太动心今天马上去看了这部快要下架的电影

每当遇到一部喜欢又戳中心事的好片子就想赖在电影院不走好好哭一场

知道自己喜欢什么，了解你喜欢的东西，知道你为什么喜欢它。

现实中，梦想总会落空，青春不可能永远热血，会失败，会破灭，会受到很多很多的不解，像电影里一样，即使在外面多酷样子，还是会有脆弱时刻，被身边的人，朋友，家人不解。

这些我也一样遇到过，被说不务正业，mm说丢人现眼，不过真好，电影中他们还可以保持原来样子，他们还在继续坚持梦想。

不过就算落空，就算破灭，又怎样呢。还可以像电影里的门卫爷爷一样啊，老了一样兴致勃勃继续着自己爱好，一样可以梦想着自己在舞台上闪闪发光啊。

不说抖腿的旋律，不提燃炸的场景……民乐，传统文化，二次元，多文化的融合碰撞，亚文化需要被理解包容关注，优秀传统文化在今天尤其需要重视复兴……这些我日常感兴趣的话题，通通暂不提，先说说

我头上满绕着的粉红泡泡，未来几天可能都持续这种状态了

被男主圈住，我为这个人设打call，喜欢这种青涩但暖到炸裂的纯情。

真诚又勇敢，贴心又温柔，苏死了好吗

当然，我这种颜狗😋我承认我是被油渣说等一下后甩掉外套和眼镜后的变身秒到。舞台上的人会发光，认真起来的男孩子帅的人晕头转向。

一直期待着的千指大人出场时，惊艳惊艳，帅到没朋友啊，酷到被掰弯，第一反应就是我我我我要都拍下来留在相册里，但油渣变身后，天呐，太帅了，拍什么拍，手机碰都不碰一下，眼睛眨也不眨，我要把这样子深深刻在我心里。

但是，我是那种为了看脸而看脸的简单颜狗吗?不，并不是，我是那种因为人设而花痴的颜狗。

一直在她身边，见过她所有邋遢的样子，陪她胡闹，帮她实现梦想，这个梦想甚至包括她要去追别人……

看着喜欢的人去追别人时，不伤心吗，不痛心吗，心都碎了好不啦，看看小狗一样趴在一旁满眼只有她的眼神，都快哭出来了啊，但当她被超恶地拒绝受到伤害时，蜡烛倏一下燃起大火时，所有人都惊慌失措时，是他第一个拿着灭火器冲上来救她；平时连自己喜欢宅文化都不敢承认的他，在她丢脸难堪的时候，会马上冲出来红着眼睛护她；在她要当英雄帮扶弱小时，就在一旁默契演出全力配合她……

还有公车上扶头那个场景，简直苏到炸裂好吗！被伙伴们发现时，不是被撞破秘密的惊慌失措，而是生怕一个呼吸都会惊醒她的小心翼翼。

太开心剧情最后完全没狗血，没有什么💩男神回心转意，你终于看到了身边那个他，泪目

那个青涩无比的表白，多少次欲言又止，望眼欲穿，最后还是说不出口，居然采取面对面微信……可这不就是少年时的青涩吗，欲语还休

天呐，对于这种小细节我真的毫无招架之力啊，分分钟玛丽苏附体，少女心爆棚，我有什么办法呢

还有这部电影剧情之外的，编剧和导演是夫妻档，一个人把故事写下来，另一个拍出来，这真是我能想象到的灵魂cp最好样子

编剧真是长得就一副二次元样子，瞪着眼睛，鼓鼓的腮帮子😂

我搞不懂对这部电影的那些差评，但是它的确get到了我所有的点，太喜欢，真挚安利，第一次看完电影豆瓣评分，全五星好评，还有一百分在心里

先说是不是，再说为什么。即首先：学西洋乐器的同学是不是看不起学民乐的同学从而导致了互相敌对。

对这个问题我想答案是肯定的，即使学钢琴小提琴的同学远远不及片中人物那般飞扬跋扈，对民乐同学的蔑视至少在小范围人群中是存在的。即使作为更大群体的音乐欣赏者，想起西洋乐脑中的图景都是金色大厅整齐有序的合奏，而想起民乐都是凉凉秋风中二胡那如泣如诉的声音，很可能前边还放了个破碗。

而实际上，这两种脑海景象的差异就提示了接下来的为什么：管弦乐组同学看不起民乐组的核心在于民乐直到今天，都是缺乏“工业体系”的。

工业体系是什么？这就是西洋管弦乐的工业体系：

欧洲古典乐之所以到今天长盛不衰，在于通过巴赫、海顿等人其演奏形成了一套固定范式可复制的演出阵容。“模式统一”、“可以复制"，这就是工业体系很重要的两点，也是给了西洋乐同学无穷信心的规整统一形象的来源。

海顿之所以成为交响乐之父，是因为西方管弦乐的这套体系自海顿起近于成熟。把基本模式确定下来以后，摇滚祖师爷贝多芬闪亮登场，开启了维也纳古典乐派的辉煌时代。

往后古典天才莫扎特，浪漫派旋律大师柴可夫斯基，古典浪漫混合的勃拉姆斯，别出心裁的德彪西，直到今天，西方管弦音乐体系的基本配置都是上面那张图，不论时期和乐派。

当然，并不是说所有演奏都是一成不变的，针对有些作曲家的特别乐曲会加入特色乐器或增加某个声部的乐器数量，但基本构架是定型的。

这就构成了西洋乐器同学的信心，以及我们脑海中想起管弦乐组时的辉煌情景。

而民族乐虽自豪有着千年悠远历史，却至今未形成如此统一的演出形式，甚至在合奏乐器配置上都没有统一的说法。这就造成了在西洋玩家心中，民乐小打小闹的也算是乐器？也造成了大街小巷不见小提琴，却怜见瑟瑟秋风中古稀老人一曲惆怅《二泉映月》。

究其原因，就是民族音乐体系里，没有固定的合奏模式。因此民乐艺人走上街头，自开门户；因此钢琴同学觉得民乐就是在小打小闹；而这种情况给民乐作曲也增加了困难，曲谱的匮乏反哺了民乐的日渐式微。

为什么民乐组难以形成统一的合奏模式呢？

其一在于民乐里没有通奏低音，即对应于大提琴(cello)、低音提琴(bass)的乐器。浑厚的低音声部为合奏提供了坚实的基础与深刻的意蕴，而民族管弦乐组没有这个条件，民乐合奏时往往需要大提琴、低音提琴作为通奏低音。也许低音在音乐演出里很少成为夺人眼球的“弄潮儿”那类，但低音相当于地基，整个和弦都是搭在作为低音的根音之上的，没有低音，乐队会垮，听觉感受就是音乐飘，不厚实，“没底”。

其二也是西方音乐与民乐很重要的分野：民乐没有和声。巴赫作为西方近代音乐之父，其一在于整合了欧洲各国种类繁多的乐器，开创了管弦乐团标准化编制的雏形，其意义在上文有讲到；其二就在于娴熟使用了复调写作，极大增强了合奏的音乐表现力。没有和声的民乐，乐器之间没有各声部的“合作”以共同实现某一音响效果，合奏也就失去了色彩。

由此可以看出，实际上就整体架势而言，民乐是没有竞争力的。民乐的优势，在于其单个乐器极强的表现力与细腻的意境。这两点可以就片中高潮情节“斗琴”来分析。

我觉得出于剧情需要，斗琴这一段西洋管弦乐组是放了水的。只论输赢的话，西方的竞争力不在钢琴，在于那个一脸死相的妹子领衔的弦乐组。

也就是我上文说的，西方音乐体系的优势在于能构造丰富和声表现的规整弦乐组，而我们来看看片中他们是怎么做的：

首先古筝女甩出了广陵散：

西洋组以德彪西相对：（阿拉伯风格曲第一首）

这一段算是分庭抗礼。

随后西方弦乐组上台，竟然来了一段野蜂飞舞：

我这个竟然是说：要想赢过民乐组，上野蜂飞舞意义是不大的。

野蜂飞舞无非是一个技巧的问题，虽然是基于西方乐器写的曲，对民乐是一个挑战，但其旋律重于和声，只要民乐玩家有能力，野蜂飞舞不是弄不出来的。而实际上我们也看到，民乐人接住了：

最后西乐组这边派出了钢琴：

这是一个很鸡肋的战术。钢琴虽贵为乐器之王，但演奏一段野蜂飞舞，在民乐面前很难说有竞争力。钢琴的独特之处在于能同时构建和弦和旋律，民乐器里没有一件能做到这点，野蜂飞舞这一段发挥不出钢琴的这种优势。就个体表现而言，多数西方乐器都难以与中国传统乐器匹敌，提琴干不过二胡，打击乐擂不过大唐鼓，更何况钢琴与扬琴是同宗的......

所以民乐团搬出了扬琴：

接住野蜂飞舞的民乐团，最后上了唢呐：

唢呐是没得打的，百鸟朝凤一出，西方弦乐团完全接不上了。

他们想要赢的话，把野蜂飞舞换成随便一段巴赫的复调或贝多芬的交响，民乐是很难受的。但由于本片宣传民乐的价值导向，他们并没有这么做，在唢呐高亢的鸣啭中不知所措地结束了。

其实可以想见，西方管弦乐长于和声演奏，胜在气势和共鸣；中国民乐团精于个体表现，能构造出奇丰富的旋律甚至模拟马嘶鸟鸣，其合作而互相成就的空间巨大，也远远好过对抗相争。我们也经常能看到管弦乐与民乐合作演绎出非凡的音乐，民乐与西洋乐的矛盾，更像是也应该是马克思所表述的对立统一。

最后我想以类似《一代宗师》一段台词结束这篇文章：

其实音乐之大，又何止中西。无容相争，等于固步自封。在你眼中，这是一段斗争，在我眼中，这是一个世界。真爱音乐的话，中西何不是大同呢。

2017年7月24日晚，上映五天的青春片《闪光少女》官微发布一张“下跪致歉”海报，并配文，“对不起，请大家不要因为我们的失误而错过一部好电影！——电影闪光少女宣发团队。”

不得不说，《闪光少女》的片名、预告片和宣传海报确实让人有种骂娘的冲动，几乎具备了国产烂片所有的条件，即使因为下跪事件挽回了些许排片，但最终也只收获6000多万的票房而惨淡收场。

随便放张海报大家欣赏一下：

可是，这部普遍不被看好的《闪光少女》，自下线后却逐渐变成了“口碑黑马”，看过资源的观众在朋友圈疯狂安利，后来越来越多的朋友加入了安利行列。

提起《闪光少女》，不少朋友印象最深的就是其中的斗琴环节，那燃到爆的画面似乎还在脑边回绕。

很多朋友对斗琴部分的印象就是好听到爆炸，以至于民乐如何取胜只能从人物表情中猜出来。

其实这部分每种乐器传达出的视听语言极其出色，为了突出我的喜爱，本期将这一部分单提出来详细讲解。

话说陈奕迅扮演的教育局领导来学校视察（他那时的发量还是很惊人的），斗琴环节在这样的背景下拉开帷幕。

首先是“千指大人”刘泳希搬出古筝，谈了一曲《广陵散》。

《广陵散》又名《广陵止息》，是我国音乐史著名十大古琴曲之一。其中“广陵”是扬州的古称，“散”是操、引乐曲的意思，《广陵散》的标题说明这是一首流行于古代广陵地区的琴曲。

琴曲的内容据说是讲述战国时期聂政为报严仲子知遇之恩，待母亲去世守孝结束后，替恩人严仲子刺杀韩国宰相侠累的故事。

《广陵散》的旋律激昂、慷慨，它是我国现存古琴曲中唯一的具有戈矛杀伐战斗气氛的乐曲，直接表达了为父报仇的精神，具有很高的思想性及艺术性。

因此“千指大人”的这曲《广陵散》算是把战书扔到了对方的脸上，霸气侧漏。

这时，西洋乐这边以竖琴迎战，曲目为德彪西的《阿拉伯风华丽曲第一首》

阿希尔-克劳德·德彪西， 法国人，是十九世纪末、二十世纪初欧洲音乐界颇具影响的作曲家、革新家，同时也是近代"印象主义"音乐的鼻祖，对欧美各国的音乐产生了深远的影响。

他开创了音乐史上的“印象主义”流派，且自成一体、太过革新，被当世所不容。

影片中的《德彪西第一号阿拉伯风华丽曲》音调轻柔，再加上竖琴柔美的音色，将《广陵散》的杀气巧妙化解。

然后由西洋乐出招，上来就是一首《野蜂飞舞》，由小提琴团体演奏。

西洋乐这边选择这个曲目不是没有原因的，因为《野蜂飞舞》是俄罗斯作曲家尼古拉·里姆斯基-科萨科夫，根据钢琴、小提琴等西洋乐器的特点创作的，民乐想跟上这边的节奏有很大的难度。

《野蜂飞舞》这首曲子对手速和乐感的要求极高，近年来逐渐成为电影中表现琴技高超的热门曲目。

比如，《不能说的秘密》中，杰伦在第三段的斗琴环节与阿豪共同演奏的就是钢琴版的《野蜂飞舞》

随后那段音乐从栅栏穿过的镜头与《不能说的秘密》的画面语言也有着异曲同工之妙。

说回影片，民乐这边从容不迫，以拥有“东方小提琴”之称的二胡应对，然后就是民乐与西洋乐的大混战。

在之后的环节中，大提琴与琵琶相互较量，随后单簧管与长笛短兵相交，接着钢琴与扬琴正面碰撞，双方你来我往，不相上下，乐器方面各有千秋。

在乐器较量最激烈的时刻，民乐这边却祭出了唢呐这个“乐器界的流氓”！

唢呐是我国传统吹管乐器中的一种，音色极为突出，声音穿透力极强，因此它没法“演配角”，只能主奏或独奏。

若是一场演奏会，吹奏唢呐之人必是全场的焦点，人们将会无法控制地齐齐望向他。

所谓流氓，不过是拿个唢呐吹的你世界里只有它。琴房里只要有四面八方有一个唢呐，什么钢琴、声乐、小提琴，别练了！根本听不到自己的声音好吗。民族管弦乐团里，只要有一个唢呐，那大家的耳朵里就只有唢呐独奏了。

毕竟，它一响起来，就没乐队什么事儿了。

电影《百鸟朝凤》就是将唢呐作为主角，展现唢呐从盛极一时到逐渐落寞的无奈变迁。

影片中的《百鸟朝凤》是民间白事的专用曲，这首曲子的规格很高，只有德高望重的老人寿终正寝，才能吹奏，且主奏人也得是乐队里地位最高的人才行。

不过等你真听了《百鸟朝凤》发现完全不是吴天明导演说的那样，全曲的基本语调其实是欢快的，跟哀乐绝对不搭。

对此我的理解是，吴天明导演可能只是将百鸟朝凤作为一个文化符号，融入到影片的叙事中，主要表现的是象征意义而不是现实意义。

真实的《百鸟朝凤》是中国民族器乐十大名曲之一，它以热闹欢快的曲调，描摹了百鸟和鸣之声，歌颂的是大自然的美景，这首曲子主要发挥了唢呐模仿的特长。

话说我第一次喜欢上唢呐还要追溯到张艺谋的《红高粱》，九儿被姜文推到在玉米地中，背景音乐的那一声唢呐我直接给张导跪下了，将影片饱满的生命力诠释得淋漓尽致，也只有张导敢这么用。

又扯远了，话说《闪光少女》中西洋乐与民乐比拼的正激烈，民乐这边祭出了唢呐，吹了一曲《百鸟朝凤》，先是驱赶了“野蜂”，然后利用独特的转音与音色模仿鸟的叫声，将唢呐善于模仿的优势发挥地淋漓尽致。

西洋乐这边竟然找不到一种乐器能与之匹敌，《野蜂飞舞》的调也完全被带跑偏，导致主提琴手溃败停音。

看来“乐器流氓”的称号还真不是白叫的。

唢呐最后的散板（自由的节拍）和气口（比较自由的停顿，靠感觉）和变调（自然的调式变化），西洋乐交响乐团没有，更没接触过，所以接不上，所以没能进入最后一段，民乐队独自终结乐曲。

至此民乐大胜！

二次元这种亚文化这两年在国内越来越火，火到很多公众号根本不知道“二次元”一词是什么意思也要在文章标题带上这词以便蹭一波热点，火到文化人许知远在做《十三邀》这个节目时有一期专门去采访了二次元圈子里的人。

许知远带着疑惑采访了几个热爱cosplay的小女孩，面对这些穿上各式各样COS服装活泼地蹦跶在漫展的小朋友，他第一次在镜头前表现得不知所措。他可是面对李安等众位大咖都可以表达自如的许知远，但面对这些想法与自己格格不入的小女生，他大概连准备好的采访大纲都无处施展，因为这是一个他从来没有接触过的圈子，是他不知道如何寻找切口去了解的亚文化。

这就是二次元的神奇之处，天然自带一种把圈外人统统屏蔽的气场。不看动漫、不了解ACG文化的人，无法理解动漫控的快乐，更无法理解为什么他们可以穿着各种浮夸的COS服饰旁若无人地出席各种日常场合，大众把他们形容成——奇葩。

就像是《闪光少女》里的学生不理解502宿舍一样，同学们不敢靠近这个群体、甚至以取笑这个群体为乐，然而，只因自己身处多数派就感觉自带光环站在高位去歧视少数派——这种优越感其实是一种狭隘无知。

《闪光少女》的女主角陈惊一开始也对502宿舍存在偏见，不过，陈惊虽然相对于502是多数派，但相对于学西洋乐的同学她这位学民族乐的人又成了少数派，这种尴尬的情况使得她为了寻求共鸣不得不放下偏见去接近502宿舍，去了解她们的爱好、接触二次元文化。这恰恰成了陈惊最大的闪光点——对于自己不知道不理解的事物，即使存在偏见和恐惧，也不会去反对打压，而是愿意放下成见去了解。

《闪光少女》里面展现的二次元少女、二次元文化其实与真实的二次元存在偏差，大概导演编剧都不是二次元圈内人，存在一点偏差是可以容忍的。但它至少勇敢大胆地去展现了这个群体，不畏旁人眼光去让该群体发声，告诉那些沾沾自喜的多数派——少数派也有存在的合理性。

这世界上很多人因为占据着大众文化的道理，就觉得自己站在了一个宇宙霸主的地位，某些极端分子甚至发明了一种文化纳粹主义，试图把自己不赞同、不愿去了解的小众文化、边缘文化一一铲除，以制造一个天下大同的假象局面。

殊不知，这世界有一些鱼是关不住的（不好意思虽然我不喜欢《大鱼海棠》但这句话真的蛮好用的），这些关不住的鱼就如同二次元文化、如同世界上任何一位少数派，他们即便受尽冷眼打压也坚定地站在自己热爱的事物面前，以一种与全世界为敌的气势去对抗某些狭隘的多数派。

而《闪光少女》就让我看到了这份为少数派辩护的气势，无论是对于二次元文化的挖掘、还是对于民族音乐的保护，它都做到了发自肺腑的“爱要大声说出来”。

面对大多数同学的嘲笑，502宿舍坚持我行我素；面对西洋音乐的挑战，民乐一派用对方眼中最土的唢呐去赢得胜利；电影里一开始遭受了心上人大量白眼的女主，最后用过硬的实力给对方一记漂亮回击……这些都是维护少数派的有力证据，是对少数派的温柔爱护。

坚持做少数派不容易，不因旁人的目光而动摇，“我不怕千万人阻挡只怕自己投降”，朋友们，这就是摇滚精神、是“饮冰十年难凉热血”。少女能够闪光，就是因为从来不会委屈自己去迎合大众，无论你爱或不爱，我自发光，穿着COS服饰的动漫控也一样，不会因为你们的嘲笑我就脱下COS服。

你可能也曾因为太有个性太小众而不被理解、不被接纳，请不要怀疑自己，正是这些与众不同的特质才使你不泯然于众人、才使你闪闪发光，要记住“我就是我，是颜色不一样的烟火”，走自己的路，添多数派的堵。

除了为少数派发声之外，作为一部弘扬民乐的电影，它在配乐上是下了功夫的，西洋乐民乐斗阵部分很燃，gala和杨宗纬的歌与剧情也特别贴合，值得一提的是，客串的陈奕迅贡献了全片最好的表演。

虽然这部电影的确存在一些尴尬的细节、也存在一些生套二次元而水土不服的桥段，不过没关系啊，正如电影里笨拙青涩的少年少女一样，这是青春该有的样子。《闪光少女》能有这份对少数派的支持、能有对二次元题材大胆的尝试，让人看到了国产青春片的另一种可能，给点耐心，去探索看看少数派还会给我们带来什么惊喜，就像那头发出52赫兹声波的鲸鱼一样，即使很孤独，依然坚持歌唱寻找同类。

在说正题之前，先听一段莫扎特歌剧《魔笛》（Die Zauberflöte, 1791）夜后的经典唱段“我心中燃烧着复仇的火焰”（"Der Hölle Rache kocht in meinem Herzen"）。据说夜后被认为是西洋歌剧花腔女高音技巧第二难的角色——第一难的花腔女高音角色是多尼采蒂（Gaetano Donizetti）歌剧《拉美摩尔的露琪亚》（Lucia di Lammermoor, 1835）里的露琪亚——。夜后这个角色的难度来源有二：快速的琶音，最高音为high F，音高太高了，非常难唱准；除此之外，《魔笛》是一部用德语演唱的歌剧，德语的发音方法与美声的发声方法相互不太适合（相对来说意大利语更适合美声的发声方法），唱惯了意大利语的歌剧演员在演出德语歌剧的时候都或多或少会感到嗓子不舒服。

《闪光少女》开场第一个在琴房里练长笛的女孩吹的是长笛“反串版”的“我心中燃烧着复仇的火焰”。影片后面还有一段“反串”，西乐和民乐斗琴的时候，有个弹竖琴的弹的是德彪西的《阿拉伯风格曲第一首》（Première Arabesque, 1888）。

有观众看完本片不太理解故事的核心矛盾：学西乐的有那么看不起学民乐的么？

答案是肯定的。作为一个从小被父母逼着学西乐的二把刀，我周围一起学琴的孩子没有一个不“鄙视”民乐的。我自己也“鄙视”学民乐的。

先来讲个故事：中国著名作曲家吴祖强在文革期间，会同另外两位作曲家王燕樵、刘德海合写了琵琶协奏曲《草原小姐妹》。所谓琵琶协奏曲指的是琵琶独奏，西洋管弦乐队伴奏。曲子写好了，吴祖强找了琵琶演奏家和（可能是）中央交响乐团一起排练，第一次合练之后，初试民乐与西乐搭配的吴祖强心里没底，找乐团的人问感想，得到的答复是：听着挺好听的，就是感觉有一股碎木头音。“碎木头音”——这就是当年搞西乐的专业乐团对琵琶独奏声音的评价。

但是这里面有两个概念要搞清：什么是“西乐”、什么是“民乐”？《闪光少女》讲的西乐民乐之争，并不是“外国的音乐”“中国的音乐”这么概括的概念，而是在欧洲兴起、发展了500年的标准化乐队音乐，与在中国的田间地头兴起、在中国的音乐手艺人群体间流传了上千年、极大程度保留原生态属性的民族乐器音乐之争。

海顿

西洋音乐界普遍认为奥地利作曲家海顿（Franz Joseph Haydn, 1732-1809）为“交响乐之父”。在海顿之前，西洋音乐处在巴洛克时期，这个时期是西洋音乐标准化的萌芽阶段，当时的音乐家已经开始有意识地把欧洲各国不同种类的乐器进行归类、改良，并搭配成适合放在一起演奏的一组乐器，比如当时的小提琴已经从12世纪的两根琴弦（当时的名字叫拜占庭里拉Byzantine lyra，从中亚经拜占庭帝国传到欧洲的）、到16世纪初的三根弦，演变为现在普遍的四根弦。

拜占庭里拉

然而当时的乐队音乐听上去仍然比较原始，特别是乐器搭配比较自由，比如巴洛克时期代表人物巴赫的《勃兰登堡协奏曲》（Brandenburgische Konzerte, 1721），一共有六首，每首的配器数量和种类五花八门：

第一号：全部弦乐器另加一把高音小提琴，2支圆号，3支双簧管，1支大管，通奏低音。

第二号：直笛，双簧管，小提琴，1支高音小号，弦乐器，通奏低音。

第三号：3把小提琴，3把中提琴，3把大提琴，通奏低音（1把低音提琴和1架羽管键琴）。

第四号：1把小提琴，2支直笛，弦乐队，通奏低音。

第五号：小提琴，长笛，羽管键琴，弦乐器，通奏低音。

第六号：2把中提琴，2把低音维奥尔琴，1把大提琴，通奏低音（1把低音提琴和1架羽管键琴）。

上面说的很多乐器可能大家都没听说过。高音小号在巴赫去世之后就从主流西洋音乐界消失了。

巴洛克时期之后是西洋音乐的维也纳古典时期，海顿、莫扎特、贝多芬、舒伯特这几个经常在维也纳活动的人物是这一时期的代表。从海顿开始，交响音乐的演出模式开始被标准化，巴洛克时期常用的乐器在海顿时期基本被改良到了定型的阶段，适应了合奏的音响需要。海顿创作的交响音乐基本上由弦乐（第一、第二小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴）、木管（长、短笛，单、双簧管，大管）、铜管（圆号、小号）、打击乐组成，这是西洋管弦乐队标准化的开始，莫扎特的交响乐也基本沿袭了这个配置。

贝多芬将古典时期交响乐的模式发展到极致，在贝多芬的交响乐里出现了长号。在随后的交响乐作品中，大号加入管弦乐队大家庭，作为铜管的通奏低音成为了标准化乐队的一部分。

西洋管弦乐队标准化配置

古典时期之后，欧洲音乐界进入了浪漫时期，19世纪是浪漫时期最兴盛的时期，该时期涌现出一大批著名古典音乐作曲家，《闪光少女》中徐璐暗恋的师兄在琴房弹奏钢琴曲的作者肖邦、《阿拉伯风格曲》的作者德彪西、“野蜂飞舞”的作者尼古拉·里姆斯基-科萨科夫（Nikolai Andreyevich Rimsky-Korsakov, 1844-1908，“野蜂飞舞”选自他的歌剧《撒旦王的故事》）都属于这个时期。这个时期的管弦乐队乐器已经完全定型，有所改动的是演奏者数量，和少数为了适应个别曲风需要而临时加进来的非标准化乐器，比如小约翰·施特劳斯《维也纳森林的故事》里临时加入作为独奏的齐特琴（Zither）。

齐特琴

进入20世纪之后，古典音乐的发展开始走向多元化，电子合成器的运用越来越多，古典音乐和流行音乐的界限越来越模糊。然而作为古典音乐标准化的产物——西洋管弦乐队的基本配置已经固定下来了。也就是说，古典音乐的500年是音乐、乐器标准化的过程。在这个过程中，能被这个标准化系统吸纳的就成为了交响乐队的一部分，不能被吸纳的就成为了历史（比如巴赫时期的高音小号），或者只能进行独奏（比如《维也纳森林的故事》里的齐特琴）。

民乐的乐器在几千年来也经历了不断改良、不断适应民族管弦乐队合奏的过程，然而囿于各种原因，民族管弦乐队的标准化程度和西洋管弦乐队并不处在同一量级，根本不是同一级别的概念，所以其实二者没什么好争的。你觉得工业革命大机器流水线和小作坊驴拉石磨耕牛犁地有可能争得起来吗？我这么说倒是没想打压民乐，流水线有流水线的优势，小作坊能做出流水线做不出的特色产品；只是如果民乐真的要争，适合跟它正面争夺的也应该是齐特琴这种奥地利民族乐器，而不是一套高度标准化的乐队。

尽管《闪光少女》把学西乐的孩子黑到夸张的程度，大多数学西乐的都不会这么过分，然而我觉得鲍鲸鲸把学西乐的鄙视学民乐的精髓抓得很准。片中钢琴帅师兄说的“扬琴小打小闹不是正经乐器”，这些话我和小伙伴练琴的时候都说，而且是变着花样地说。都是学音乐的，为什么学西乐的在学民乐的面前这么装逼？我觉得原因有三：

大部分民乐乐器音量太小，回声效果差。西洋乐器的一大特点就是回声效果很好，弦乐器的音箱、管乐器的管道都能起到特别好的回声效果。西洋音乐都很在意回声，唱歌剧的不需要话筒就可以让整个音乐厅的人听清楚。民乐乐器回声最大的就是扬琴，就这点音量根本比不上西洋乐器。可能有人想拿唢呐和笙反驳我。我觉得唢呐那个叫穿透力强，不叫音量大。笙太吵了，听着有点烦。

中国民族乐器没有低音声部。中国的民族管弦乐团是需要大提琴、低音提琴作为通奏低音的，否则声音听上去非常飘，不厚实。因为大提琴、低音提琴回声效果比民乐器更好，他们和民乐队合奏的时候都要故意拉得弱一点。

最重要的一点：中国民族音乐没有和声。巴赫作为西洋音乐的“音乐之父”，最拿手的就是多声部的复调音乐，西洋音乐的起源就是多声部音乐，以单一旋律为主的主调音乐是后来才发展起来的。中国的绝大多数民族音乐都没有和声，只有单一旋律，所以听上去不如西洋音乐厚实、有层次感。前几年侗族大歌被发现的时候，中国民族音乐界一片叫好，认为自己甩掉了西方人给我们扣的“中国民族音乐没有和声”的帽子。然而我不以为然，我觉得这种说法只是顺应了“中国民族音乐不比欧洲的差”“侗族是中国多民族大家庭的一员”的双重政治正确，非常牵强，实质重于形式地说，中国大部分民族音乐没有和声。

可能上面这些看上去还是太像一个学西乐的在鄙视民乐。我个人觉得陈钢、何占豪把民族音乐融入西洋音乐体裁的《梁祝》，殷承宗等人把黄河改编为钢琴协奏曲，吴祖强创作琵琶协奏曲，丁善德等人的二泉映月，良宵，鲍元恺的炎黄风情，《闪光少女》中提到的李焕之的《春节序曲》（结果片子里错误地说成了《节日序曲》，《节日序曲》是施万春创作的，也是西洋管弦音乐体裁的中国音乐作品），都是非常好的中西搭配的尝试。所谓西乐和民乐本来就没什么可争的，不如像上面几个前辈那样取长补短，既丰富了西洋标准化音乐的曲库，也借此宣传了我们的民族音乐，一举两得。

P.S.片中学校西洋乐队演奏莫扎特的钢琴协奏曲的时候配了一个指挥。实际上那个年代的协奏曲演出是没有指挥的，独奏家起到了指挥的作用，乐队成员都根据独奏家的动作掌握演奏进度。